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10 | Libros para acercarse al arte desde diferentes teorías del lenguaje

¿Hay alguna forma de acercarse al arte desde las teorías del lenguaje? Algunos autores clásicos y contemporáneos conforman esta lista de escritos imprescindibles para tejer un puente entre los estudios sígnicos y el arte; lo visual, literario, teatral o cinematográfico son algunos de los temas principales.

01 | Arte e Ilusión. Estudio sobre la psicología de la representación pictórica, de Ernst H. Gombrich

Este texto está basado en una serie de conferencias que impartió Gombrich en 1956 en la National Gallery of Art de Washington. El autor se centra en las representaciones de la realidad en la historia de las obras pictóricas. La imitación de la naturaleza, la perspectiva y la expresión según la época son algunos de los aspectos que analiza, también las representaciones del cuerpo y las decisiones que las culturas tomaron respecto de cómo plasmarlo. Quizá uno de los mayores aciertos de Ernst Gombrich en esta publicación es pensar en el impacto que tendrá en el espectador el enfrentarse a cierto estímulo visual, en este caso, al pictórico.

02 | El lenguaje del arte, de Omar Calabrese

Para el semiólogo y crítico de arte italiano el arte debe considerarse como un lenguaje en sí mismo, en este texto, aborda las implicaciones visuales y estéticas que le rodean desde algunas disciplinas ineludibles para entender el arte, como la iconología, la teoría psicoanalítica y la semiótica. Además repasa los conceptos del teórico deconstructivista Jacques Derrida y del filósofo Gilles Deleuze. Quizá una de las aportaciones más sustanciales de este libro sea el considerar el arte y la comunicación como una dualidad, ya que Calabrese explica que todos los fenómenos culturales comunican y significan.

03 | Historia de la belleza e Historia de la fealdad, a cargo de Umberto Eco

Historia de la belleza 

Uno de los referentes contemporáneos más sobresalientes de la semiótica es Umberto Eco. En Historia de la belleza, junto a Girolamo de Michelle, hace un recorrido por las representaciones de la belleza en el arte. El libro compuesto de 17 capítulos revisa autores como Platón, Kant, Goethe, Kafka o Barthes. Desde un marco comunicativo los autores analizan la forma en que la visión de la belleza se construye desde la mirada que la contempla. Además del recorrido teórico, hay un recuento a través justamente de las representaciones estéticas que permiten ver contextos muy específicos, no debe confundirse con una historia propiamente de la belleza, es más bien una aproximación a la visión occidental y la representación que se hace del cuerpo humano y la connotación estética considerada como bella.

Historia de la fealdad

Los cánones de la fealdad no son simplemente lo opuesto a los de la belleza. De nuevo podemos ver cambios entre las visiones de lo denominado feo de un siglo a otro o de un momento histórico a otro. Los marcos de significado en los cuales se inscriben las obras que se analizan en este texto, es interesante ver que ambos conceptos, belleza y fealdad, han transitado por un camino marcado de igual forma por condiciones políticas y sociales. Como una dualidad en la que las partes habitan en coexistencia, la fealdad tiene en su opuesto, la belleza, una validación total. ¿Si hay belleza que es todo lo que no entra ahí? ¿Cómo se construye? ¿La carga es negativa? Son quizá algunas de las interrogantes que surgen ante este poderoso binomio que enmarca la historia del arte sin dejar olvidada la teoría semiótica. La formación de Eco en filosofía medieval y literatura sumada a sus desarrollos en la teoría sígnica dieron como resultado estos dos trabajos. Es importante mencionar que si bien supervisó y escribió gran parte de este libro tuvo un grupo de colaboradores quienes lo asistieron con la investigación y la escritura.

04 | Arte, percepción y realidad, de Ernst H. Gombrich, Julian Hochberg y Max Black

Este libro, colaboración de Ernst Gombrich, Julian Hochberg y Max Black, se conforma de tres ensayos que desde la historia del arte, la psicología y la filosofía examinan los problemas de percepción de la fotografía y la imagen. Sus aproximaciones —no siempre compartidas— brindan debates y abren preguntas sobre la manera en que cognitivamente asimilamos el arte. El interés que este libro no sólo atañe a los estudiosos de las disciplinas, también a los creadores o artistas.

05 | Pensar la Imagen, de Santos Zunzunegui

La representación y características que hacen de la imagen un signo, son algunas de las inquietudes que aborda el escritor e historiador español. Zunzunegui, además considera a la imagen como un texto, autosuficiente para su interpretación. Parte de los postulados de Greimas, Eco, Gombrich o Hjelmslev para explicar la semiótica de lo visual. Este texto configura una forma de leer la imagen a través de la iconicidad, su materia, forma y sustancia, denotación y connotación o los códigos de referencia, entre otras categorías que permiten al estudioso de la imagen entenderla. También retoma algunas categorías que Umberto Eco denominó “lector y autor modelo” entendidas como estrategias para la interpretación de un texto, Eco lo abordó desde la literatura, pero Zunzunegui lo lleva al terreno de lo visual para explicar los mundos posibles de interpretación.

06 | Elementos para una semiótica del texto artístico, de Jenaro Talens

Este libro es la unión de cuatro análisis semióticos de poesía, narrativa, teatro y cine, cada uno a cargo de un experto en la materia. La riqueza de este libro recae justo en la multiplicidad de las disciplinas artísticas pero también en la concreción para explicarlo desde la teoría de los signos. En la primera parte del libro, Jenaro Talens abre con un capítulo de teoría general en el que parte de las nociones básicas para entender de qué va el libro y cuáles son los términos considerados. Otro capítulo para entender lo contemporáneo es el de José Romera Castillo quien analiza el cuento Caperucita azul, de Ignacio Viar en tres partes: morfosintáctica, semántica y retórica o pragmática a partir de los postulados teóricos de Propp, Tódorov, Morris o Barthes. El lector encontrará en este concentrado, no sólo cuatro análisis de disciplinas artísticas sino una manera rigurosa y fascinante de acercarse a otros productos culturales.

07 | Intertextualidades. Teoría y Crítica en el arte y la literatura, de varios autores. Lydia Elizalde (coordinadora)

Este libro coordinado por Lydia Elizalde reúne una serie de ensayos sobre la intertextualidad. Los autores deambulan entre las prácticas que se consideran diálogos entre textos en la plástica, la televisión, la literatura o el cine. Este término que con frecuencia se atribuye a Mijaíl Batín y que sería retomado por Julia Kristeva o Tódorov es retomado por investigadores y docentes mexicanos en ciertos contextos artísticos en donde los productos culturales están en constante cruce. Este libro nos recuerda que, ningún texto parte de cero, todos tiene relación entre sí, aunque algunas relaciones intertextuales son más evidentes que otras.

08 | Los lenguajes del arte, de Nelson Goodman

Nelson Goodman, doctor en filosofía y considerado uno de los padres del nominalismo contemporáneo, recoge en su libro titulado Los lenguajes del arte una serie de postulados de teóricos como Morris o Peirce para explicar su consideración semiótica de las disciplinas artísticas. Sin embargo, lo valioso de su texto no recae solamente en una adecuada implementación de conceptos; el objetivo que persigue en este texto es captar comprensivamente los modos y los medios de referencia y su empleo en las operaciones del entendimiento. Algunos de los términos claves desarrollados por Goodman son el sistema simbólico referencial, símbolos artículados y símbolos densos.

09 | El significado de las artes visuales, de Erwin Panofsky

Por su formación como historiador del arte en este libro, Panofsky hace un recorrido por las relaciones que dan significado en el arte como la iconografía o la iconología; también recupera la historia de los estilos a partir de las teorías en torno a la representación de las proporciones humanas. Entre los conceptos principales están los tres tipos o niveles de significaciones (primaria o natural, secundaria o convencional e intrínseca o de contenido). Erwin Panofsky recopila en esta obra artículos de más de treinta años de investigación que fueron esenciales para su conformación teórica en torno al simbolismo en el arte y la percepción visual. Este autor de orígen alemán tiene también textos en los que incursiona en otras disciplinas artísticas como el cine o la arquitectura.

10 | Arte y percepción visual, de Rudolph Arheim

El psicólogo y filósofo alemán se encarga en este texto de explorar la noción de percepción visual en el que la mirada, la educación y la cultura intervienen de manera importante; además distingue entre una percepción práctica, una estética y categorías perceptuales como la forma, el espacio, el color o la luz. En sus postulados, considera tres actitudes de observación para percibir visualmente: aislar el objeto para percibirlo en estado puro, otra es mezclar el objeto con su contexto, y la tercera es verlo desde diferentes puntos o perspectivas buscando nuevas posibilidades de interpretarlo. Sus textos son estudiados en muchas escuelas de arte y diseño por sus formas de interpretación y aprehensión del mundo a través de los sentidos.

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